"Tokio" - Mixta sobre madera - 80x80 cm.

Tenía ganas de compartir esta obra, sobre todo por la curiosidad que despertó entre el público en mi última exposición. Sobre todo en los más pequeños. Yo me solía fijar en los horarios en los que solía pulular por la sala en los recorridos e interés que mostraba la gente. Todo el público menudo, prácticamente sin excepción, coincidía: "Este cuadro es el que más me gusta". Yo escuchaba y seguía pululando como espectador de espectadores.

Esta obra fue improvisada basada en una foto obtenida de internet de un landscape de la ciudad de Tokio en un atardecer que mostraba la silueta del monte Fuji. Símbolo de Japón y desde 2013 patrimonio de la humanidad reconocido por la UNESCO.

Sería largo de explicar lo que significa a nivel simbólico y a otros niveles esta obra. Realmente abrió algunos caminos de experimentación en los que estoy actualmente trabajando.

La técnica es mixta ya que empleo acrílico y otras masas con aglutinantes acrílicos para trabajar el cartón común que empleo para dar volumen a los elementos. Disfruté mucho trabajándola.

Cierro los ojos para abrir los sentidos -como cuando creo Haikus-. Escribo esta noche porque me apetece.

Ordenar el caos de la vida que nos envuelve, múltiple y diversa, no tiene sentido. Ese propósito desde lo físico a lo metafísico, de lo mundano a lo filosófico y manejar esa realidad distorsionada o encubierta por alguno de nuestros semejantes como poco es pura utopía. No deja de ser el reflejo de algo percibido empequeñecido o que nos empequeñece incluso fruto de nuestra propia inspiración.

Me refiero al arte. Ese arte que está por encima de toda política barata y como vía de materialización de libertad. Libertad de la que surge creación y oportunidad.

Lejos de la materialización ilusoria de cualquier realidad y mucho menos de hiperrealismos.

Viviendo en el aquí y en el ahora, disfrutando de la compañía de mis seres queridos, ahora durmiendo, miraba absorto como la alegría compartida es más.

Dar amor y conocimiento no puede dar otra recompensa que más amor y más conocimiento, con esfuerzo y con tolerancia. Tolerancia valiente y luminosa como leí en alguna ocasión.

Tolerancia que entierre el empeño de aquellos avaros corazones, las conflagraciones y las guerras que provocan.

Por amor al arte.

Fresca noche del día 7 Agosto de 2014

José Miguel García Molinero © 2014

Durante el mes de Junio de 2014 celebró una exposición individual en la localidad donde reside Palafolls (Barcelona) presentando una colección de su obra desarrollada entre el 2007 y 2014.

"Sus creaciones son señales de un camino hacia sí mismo, donde la exploración de los diferentes criterios artísticos expresan certeza y verdad.

"Homenatge a Joan Brossa" - Mixta y Bota sobre madera. 63 x 39 cm.

Es una de las obras que más han gustado y sorprendido de la exposición. Nadie ha quedado indiferente al contemplar esta obra. He tratado de establecer un diálogo con el espectador. Los niños en general me dicen que son unos zapatos.

El diálogo se provoca desde el primer instante. Técnicamente se trata de un zapato cortado por la mitad sobre un soporte creado a partir de madera y arena de la playa. El mensaje es claro y define a la obra "shoe" (zapato en inglés) solidificado mediante latex.

Sale del cuadro y nos reclama la atención. Nos resulta familiar. Un zapato.

Unos zapatos olvidados que alguien dejó en la basura.

Llevaba mucho tiempo con esta idea. Soñé con la idea y también llevaba en el recuerdo aquella obra de Vincent Van Gogh.

Recogí este zapato del que alguien -cercano- decidió deshacerse.

Lo convertí en una obra para lanzar un mensaje con el que crear un vínculo con el observador a la vez que homenajear a un pensador y un gran artista como fue Joan Brossa. Un artista que cubre prácticamente todo el espectro creativo. Un artista completo.

Es un artista que de manera casual he ido descubriendo y que me aporta energía para despertar una lateralidad en la forma de pensar.

Las cosas no son lo que parecen si no lo que a partir de patrones aprendidos creemos entender.

De como percibimos las cosas y la sutileza de lo que nos rodea a partir de la apertura de nuestros sentidos.

Observando, sintiendo, respirando, caminando.

© José Miguel García Molinero

"Transmitir felicidad en una obra a veces es difícil. ¿cómo expresar un sentimiento?.

Con esta obra pretendí precisamente eso. Esta obra se llama “Felicitat”. Ideograma/kanji japonés. Dorado, resina acrílica y pigmento sobre tela. 40 x 40.

Cuando una obra trasciende y es capaz de llegar al alma del espectador es para mí como artista algo muy importante. Que sienta calor, energía, orden, paz...

En estos días que he abierto mi obra al público estoy recibiendo todo tipo de comentarios. Expongo mis experiencias a través de una colección que agrupa un recorrido en un período temporal.

Estas experiencias intentan trascender como ya lo hicieron en el momento de su creación. La presentación de un sentir y unas vivencias representadas en imágenes como leí en algún sitio consisten en dar testimonio de mis historias personales e incluso las historias de otros.

El espectador recibe esa historia contada pero siempre cambiante y siempre en evolución. Como he podido comprobar estos testigos ofrecen diversidad de opinión de mi obra desde una conciencia clara y universal. Ha sido muy reconfortante escucharlas".

2014 © José Miguel García Molinero

"Mare i Fill" - óleo sobre tela. 100x100.

"Desechar la superposición de colores y emplear con mayor profusión y continuidad la mezcla cromática. Para ello podemos mezclar directamente sobre el motivo, independientemente de la temática y la técnica a emplear, color sobre color, evitando el escalón cromático. También debería utilizar la mezcla cromática de tal manera que se consigua la ilusión óptica que se produce con el empleo de los colores. Picasso lo utiliza muy bien, consiguiendo una gran sensación en su obra tanto pictórica como gravado".

Reflexiones. Representa a la madre y al hijo en su regazo, basado en el estudio del artista Robert Delaunay (París 1885-Montpellier 1941). Para Robert Delaunay, los colores fueron los medios visuales más importantes de dar forma a la realidad.

Al igual que otros pintores de vanguardia de principios del siglo XX, se apartó de los métodos tradicionales de lo que sugiere la profundidad y la luz. Delaunay estaba muy interesado en las teorías científicas del color, y en particular de la ley de los "contrastes simultáneos".

Cuando el ojo está expuesto a alto contraste de colores-profundidad es el caso de esta obra en el que las imágenes que son complementarios a los colores de la tela se mantienen durante algún tiempo en la retina.

Cuando el ojo se enfoca en un punto diferente en la tela, creada recientemente el efecto de imagen se sustituye por una nueva impresión. Este efecto evoca la sugestión de la luz, la profundidad y el movimiento.

©2014 - José Miguel García Molinero

“Crepuscle” - 2010. Acrílic i pigment damunt tela. Díptic 100 x 100

"Este camino
ya nadie lo recorre
salvo el crepúsculo"

Matsuo Bashoo (1644-1694). Trad. Octavio Paz y Eikichi Hayashiya.

"Disfruté mucho creando esta obra. Utilicé unas masas de relieve de la marca Golden que me ha dado muy buen resultado siempre que las he utilizado. Sin embargo en esta ocasión utilicé la técnica de esgrafiado. Con lija no me acuerdo de que número, pero muy vasta".

2014 © José Miguel García Molinero

“Triangle i vermell”. 2011. Acrilic i pigments s/tela. 40x40

"La experiencia ha supuesto un modo de canalización del alma hacia el exterior. Una conexión con la vida. Sin trabas ni cortapisas. Cuando me dejo llevar todo fluye: Libertad, sinceridad, generosidad; de manera que la creatividad parece que no tenga ningún tipo de limitación y que hace sentirme vivo dejando atrás la "inquisidora" identidad.

Compartir la experiencia me hace sentir si cabe más abierto y abrir mi alma a los demás liberando un posible sentido del pudor y la vergüenza.

He compartido un momento íntimo y sincero. La obra de las demás compañeras parece como si estuvieran en armonía a pesar de las diferencias en la creación de cada uno".

©José Miguel García Molinero

Jornadas de Lenguaje pictórico con Ernest Rosell.

Girona, 2 de Mayo de 2012

"Cadaqués". 2012. 60 x 60. Acrílic i pigments sobre fusta

"Inagotable libertad que nos une más que oníricas promesas. Libertad inefable que vive en la contradicción y que se aprende".

©José Miguel García Molinero
"Pero los cuerpos no existen sólo en el espacio, sino también en el tiempo. Son contínuos, y en cada momento de su continuidad pueden tener un aspecto diferente, y encontrarse en combinaciones diferentes".
Lessing, El Laocoonte

"Cargado de preguntas vengo,
ausente y distante,
en el exilio de aquel reino
sin respuestas.
Disfrutando en este paraíso
y sin sufrir de él".
2014 © José Miguel García Molinero

"Acaso tenía razón aquel que dijo que la paz no se conseguiría hasta que todos tuviésemos las mismas ilusiones".
"Cada uno tenemos nuestro Paraíso. Es la nostalgia de él lo que nos da la vida, y, a veces, también nos da la muerte".
Antonio Gala - "El don de la palabra" - 1999 .
Imagen Serie diario íntimo. Mixta sobre papel.

"La primera pregunta que deberíamos hacernos frente a una obra de arte es:

¿Me da la posibilidad de existir frente a ella o, por el contrario, me niega en tanto sujeto por no considerar al Otro en su estructura? ¿El espacio-tiempo sugerido o descrito por esta obra, con las leyes que lo gobiernan, corresponde a mis aspiraciones en la vida real?"

Estética Relacional, Nicolas Bourriaud (2002)

En la distancia —imponente— se manifiesta el caos. Cercano. Afable.

José Miguel García Molinero, artista plástico y artista marcial, ha cimentado su universo pictórico con equilibrio —un equilibrio Zen de texturas uniformes. A continuación, imitando la perfecta ejecución de un kata —portador de energía y kimé— ha gestionado con elegancia una diversidad de caos y materia plástica que terminan por interrogar al individuo.

Para Bourriaud (2002) el arte no trasciende las preocupaciones cotidianas sino que construye marcos de relación entre personas y sus más ordinarias y menos relevantes experiencias. La obra activa, cuestiona, detona el firmamento afectivo del espectador y lo sitúa en un contexto familiar y cercano. 

Analogies i Antagonismes (2007 - 2014) nos invita a recorrer la obra de un artista que ha experimentado profundamente con la gestión del caos y el equilibrio, a la vez que explora las conexiones afectivas entre la cotidianeidad de su entorno y una realidad diáfana, que pertenece más bien a un territorio deshabitado existente sólo en la conciencia del autor.

Cuando observamos obras como Blau I y Blau II, podemos apreciar un juego elegante de espacios, que respiran y transpiran texturas y luz. El equilibrio se revela dominante y evocador —sugerente. Sin embargo, obras como Homenatge als Herois de Fukushima y Crepuscle nos traen leves notas discordantes, breves afloramientos de caos. Rupturas de textura y color que irrumpen una veces sigilosas y otras de forma desbocada. En ocasiones el caos sobrecoge e inunda la obra, como en el caso de Porta, desconcierta y sorprende al espectador, pero reconforta al apreciar la contundencia del equilibrio que reunifica y armoniza la totalidad de la pieza. Otras veces, como en la serie Home I y Home II, la textura cobra materialidad y escapa del lienzo, acercándose al público desde el objeto tangible e incluso —curiosamente— desde el concepto.

Analogies, desde la trascendencia espiritual del artista a la realidad material y cercana de la sala de exposiciones.

Antagonismes, de equilibrio y caos...

Omar J. Camarero, 2014

Comisario Independiente de Arte Contemporaneo

Londres - Reino Unido

Santiago Montobbio. Escritor, poeta. "La creación es un disfrute y un goce de vivir, una manera intensa de sentir la vida".

Eduardo Chillida decía que "en arte todo se puede aprender y nada o casi nada se puede enseñar. Es una vivencia muy íntima y personal, muy espiritual".

Muchos artistas figurativos dan a sus pinturas un tratamiento abstracto, de manera que no resulta extraño escuchar la expresión "formas abstractas" aplicada a un paisaje, un retrato o una naturaleza muerta. La abstracción no surge de la nada, tiene su origen en la síntesis o fragmentación del mundo real. En otras palabras, abstraer significa depurar y resumir un modelo real en unidades básicas que destruyen la evidencia y lo referencial. La pintura es abstracta en el sentido que ha sido "abstraída", extraída de la realidad, y llevada, a través de un proceso intelectual y técnico, al terreno no objetual.

En ruso, Krasnoï quiere decir "rojo", pero también "bello", "hermoso" (etimológicamente, la plaza Roja es la "plaza hermosa").

Joan Miró decía que "para dar emoción comunicativa a las cosas tenemos que amarlas enormemente, pues seguro que si no, haremos un cuadro sin ningún interés". Carta a Roland Tual, 1922

“Homenatge als herois de Fukushima”. 2012. Mixta s/tela. Díptic 100x100
©José Miguel García Molinero
"En 2012 participo con la presentación de una obra en una exposición colectiva “100 art works from the world for Fukushima” en la art Gallery Enogubako en Musashino (Tokio) y también en Kangaeru Shiro-kan en Kawauchi-mura (Fukushima)".